Artist – Der Strand22

ARTIST IN RESIDENCE

Otto Oscar Hernández Ruiz

Der Künstler Otto Oscar Hernandez Ruiz ist unser „Artist in Residence“ am Strand22. Wir freuen uns auf einen intensiven Austausch mit ihm und seiner ganz eigenen Wahrnehmung unseres gemeinsamen Ortes. Otto wird das Leben am Strand frei mit eigenen Skizzen, Zeichnungen und Gemälden dokumentieren. Seine Werke werden über die gesamte Spielzeit die Aussendarstellung unserer Bar begleiten und flüchtig prägen. Abschliessend wird eine Retrospektive alle Arbeiten bündeln und zur Ausstellung bringen.

Zur Person
Otto Oscar Hernández Ruiz wurde 1976 in Havanna, Kuba geboren. Nach seinem Diplom in Architektur 1999 an der Universität von Havanna arbeitete er in seinem erlernten Beruf. 2002 zog er nach Deutschland. Ab 2004 studierte Otto Oscar Hernández Ruiz Bildende Kunst an der Bauhaus-Universität zu Weimar.

Otto Oscar Hernández Ruiz arbeitet in drei Kunstmedien: Malerei, Zeichnung und Performance. Er untersucht dabei die Konstruktion und Dekonstruktion der eigenen Wahrnehmung seiner Umwelt. Seine Arbeiten beschäftigen sich immer wieder mit der Gestaltung von Landschaften. Seine großen, polychromen Bilder erinnern durch Texturen und Farben an unterschiedliche Stimmungen, enthalten eine komplexe räumliche Struktur und beziehen sich auf den aktuellen Begriff der Landschaftsmalerei.

Otto im Interview. “Du musst der Hammer werden.”

Von Christian Gesellmann, Bildmaterial Heidi Gumpert

Otto stammt aus Kuba, war mal Hammerwerfer, dann Architekt. Heute lebt und arbeitet der Künstler in Weimar und Jena, seine Performances und Malerei halten die vielen Schichten, aus denen sich ein einzelnes Leben zusammensetzen kann, mit faszinierender Leichtigkeit und Tiefe zusammen. Immer in Bewegung zu sein ist vielleicht das hervorstechendste Stilmittel seiner Kunst – Christian Gesellmann hat sich mit Otto darüber unterhalten, wie aus Biografie + Bewegung Kunstwerke entstehen, die mehr abbilden als das Sichtbare. Fotos: Heidi Gumpert

Du warst mal Hammerwerfer. Wie kam das denn?

In Kuba, wie im ganzen Ostblock, waren Sport, Tanz, Musik auch eine Möglichkeit nicht nur sich zu beweisen, sondern auch die Welt zu sehen, zu bereisen. Eine Sportlerkarriere strebt man da nicht wegen des Geldes an, aber es ist vielleicht die Chance zu erfahren, was außerhalb der Insel passiert.

Ich bin da reingerutscht, nicht unbedingt freiwillig. Wie üblich in Kuba, kam eine Kommission in die Grundschule und dann wurde ich gefragt, ob ich Sport mag, Leichtathletik. Meine Mutter war sofort begeistert. Sie war selbst Leichtathletin, in der Nationalmannschaft, sie hat Hochsprung gemacht. Als ich in die Sportschule reingegangen bin, war ich ein großes dickes Kind. So wurde ich dann in die Abteilung Hammerwurf geschickt. Am Anfang fand ich das blöd. Aber dann mochte ich es doch irgendwann.

Man denkt bei Hammerwurf immer eher an den martialischen Teil, an Kraft. Aber es hat ja auch etwas sehr graziles, diese 3-4 Drehungen auf engstem Raum, fast etwas Tänzerisches.

Eben. Und das verwende ich heute in meiner Kunst immer wieder. Als ich mit Performances angefangen habe, kam einfach so automatisch die Idee, das einzubauen. Kuba, die Insel als der Kreis, den man nicht verlassen darf, dessen Ring man nicht übertreten darf, mit einem Zaun darum. Das war für mich so ein Paradox. Du hast eigentlich in dem kleinen Kreis alles, was du brauchst, und da drin hast du die Freiheit dich zu bewegen und dieses mentale Spiel als Sportler war ja: du musst der Hammer werden, du musst dich praktisch selber werfen.

Und Hammer und Sichel sind ja auch Symbol des Marxismus-Leninismus.

Ja. Für mich hat das Hammerwerfen auch etwas vom Mythos des Sisyphos. Ich rolle zwar keinen Stein den Berg hoch. Aber die Bewegung des Hammers ist ja auch unendlich, man wirft und wirft, und dreht sich und dreht sich – nur um dann wieder von vorn anzufangen, immer wieder zu versuchen weiter zu kommen.

Es ist wie ein System. Es gibt so viele Regeln, du hast wenig Platz, aber du hast genug Platz, um deinen Wurf zu schaffen. Es geht um Geschwindigkeit und Leichtigkeit und es ist auch sehr befreiend, der Hammer zu sein sozusagen. Und das ist sehr schön, aber gleichzeitig sehr tragisch.

Und was mir später auch aufgefallen ist, ist die Verbindung zum Tanz. Es gibt da ein paar Techniken, die beim Tanz sehr ähnlich sind wie beim Hammerwerfen. Man arbeitet viel mit dem Gleichgewicht. Die Drehungen mussten wir im Training natürlich auch lernen und das hieß manchmal: 100 Meter lang nur Drehungen machen. Wir haben immer gelernt: fixiere einen Punkt in der Entfernung vor dir und dann drehst du dich so tausendmal. So ähnlich machen das Tänzer ja auch, wenn sie Pirouetten üben. Als ich dann begann, Kunst zu studieren, kam alles so zusammen: Die Verbindung von Vorstellungskraft und Bewegung.

Schwindelig werden darf einem dabei ja auch nicht.

Eben, du drehst dich 100 meter lang, es dauerte sieben Monate, bis der Schwindel wegging, bis die Übelkeit nicht mehr aufgekommen ist.

Wie du den Hammerwurf aus dem Sport in die Kunst übertragen hast, zeigt für mich, wie wichtig das Prozesshafte für dein Schaffen ist. Kannst du etwas näher erklären, warum du so viele Sachen so geplant ungeplant machst?

Ich war immer Außenseiter. Ich hab Sport gemacht, aber mein Vater war Architekt und dadurch hatte ich auch schon früh damit zu tun, hab es dann auch studiert. Architektur und Zeichnen waren zuhause immer gegenwärtig. Ich habe aber auch Ballett und Tanz sehr geliebt, immer als Zuschauer. Es gab diese zwei Welten: die Sportwelt mit dieser ganzen Dynamik, die gar nichts zu tun hat mit dieser Kulturszene; ich war immer sehr allein in beiden Welten. Um wirklich Sportler zu werden, hätte ich mehr für den Sport geben müssen, aber ich saß am Wochenende immer in Konzerten oder im Theater. Dass ich mit beiden Welten bewusst arbeite, das kam erst später. In Kuba hab ich das so erlebt, dann kam ich nach Deutschland und diese ganzen Bilder kamen zurück und ich begann damit zu arbeiten. Für meine Bilder spielt der Hammerwurf eigentlich keine große Rolle. Aber bei den Performances und Installationen schon.

Warum bist du von der Architektur in die Kunst gewechselt?

In der Praxis hat die Architektur ein bisschen den Charme verloren, es gab damals in Kuba nicht wirklich Büros oder Kollektive, mit denen man frei und kreativ arbeiten konnte. Ich wollte mehr über Kunst wissen, mehr Zeit dafür haben. 1998 war ich vier Monate in Weimar während meines Architekturstudiums. Und das war krass für mich, Weimar hat mich sehr geprägt und die Bilder dieser Zeit habe ich auch für immer im Kopf.

Was hat dich so beeindruckt?

Wie die Studenten leben, die WGs, die freie Kreativität, die vielen unsanierten Häuser; das Bild, was ich von Bauhaus hatte, hab ich hier tatsächlich auch vorgefunden. Aber eigentlich habe ich mich mit der Geschichte von Bauhaus und Klassik erst später beschäftigt. Vor allem waren es erstmal die Leute hier, die mich geflasht haben. Der Kontakt mit Menschen, die ähnlich denken, die auch Suchende sind, und die in dieser Stadt auch so viele Plattformen zur Verfügung gestellt bekommen. Das hat einfach Klick gemacht.

In der Art und Weise, wie du Bilder malst, spielt Architektur eine große Rolle. Kannst du erklären, was das bedeutet?

Ich verstehe einen Ort besser, wenn ich ihn zeichne. Bei mir geht es viel um Strecken, ich skizziere viel, wenn ich unterwegs bin, zum Beispiel im Zug. Ich bin sehr fixiert auf Strukturen, was passiert zwischen Städten, leerstehende Fabriken, wie verändert sich die Vegetation, diese ganzen Formen faszinieren mich. Aus verschiedenen Skizzen baue ich dann meine Bilder, die meist mit Acryl gemalt sind.

Deine Bilder wirken auf mich beinahe so, als würden da verschiedene Bilder übereinander geschichtet. Wie Folien, die übereinander gelegt sind. Machst du das tatsächlich so, oder wie entsteht dieser Effekt?

Bei mir ist der Prozess so, dass ich viel springe zwischen den Kunstformen, vom Zeichnen zu Performances, zu Musik, zu Malerei. Ich fange dann an, die Sachen wie ein Bühnenbild im Theater zu sehen. Ich liebe Theater. Jetzt arbeite ich viel mit Graden von Tiefe. Ich male bewusst so, dass die Perspektiven nicht stimmen, versuche einen Raum zu gestalten, der gleichzeitig zu verschiedenen Zeitpunkten und Perspektiven existiert. Man bewegt sich so in Zeit und Raum, fragmentarisch.

Wo kommt diese Fokussierung auf das Fragmentarische bei dir her?

Ich liebe es, im Zug zu sitzen und zu zeichnen. Wenn ich zum Beispiel von Weimar nach Weißenfels fahre, habe ich ja nicht viel Zeit, um Skizzen zu machen, und der Zug ist die ganze Zeit in Bewegung. Man kann gar nicht alles erfassen. Aber mit der Zeit erkennt man Elemente, die sich wiederholen, Fachwerk, ein bestimmtes Grün, leerstehende Fabriken; Elemente, die durch das Vertrautwerden mit der Strecke beginnen, sich selbst zu vervollständigen. So habe ich das Skizzieren trainiert wie einen Sport. Ich liebe es, Dinge zusammen zu bringen, die nicht zusammen gehören. Für den Betrachter dieser Zeichnungen hat das dann ungefähr den Effekt: du erkennst etwas wieder, aber du weißt nicht, wo das ist. Ob das Sinn macht oder nicht, ist nicht wichtig.

Was fasziniert dich am meisten beim Blick aus dem Zugfenster, wenn du durch Thüringen fährst?

Es ist eher die Frage, wie kommuniziere ich mit diesen ganzen bewegten Orten, durch die ich reise, wie setze ich sie zeichnerisch in ein neues Narrativ, ein eigenes, das vielleicht auch mein Kennenlernen dieses Landes reflektiert. Ein sich in Beziehung setzen. Dazu gehören auch die Geräusche im Zug, die Themen, über die die Menschen im Zug sprechen, meine eigenen Tagträume, Lichtreflektionen. Die Menschen in Weimar, deren Kunst, Musik, Architektur mich gedanklich begleiten, gehören zu diesem Bühnenbild ebenfalls.

Setzt du dich eigentlich absichtlich für deine Skizzen in den Zug, oder skizzierst du, während du zufällig im Zug sitzt?

Ich verlasse mich auf den Zufall. Ich reise ja sowieso viel. Und egal wo ich bin, ich habe meinen Skizzenblock immer dabei.

Was mich beeindruckt ist, dass du so viele verschiedene Kunstformen beherrschst: du tanzt, du malst, du singst, du spielst Klavier, du fotografierst. Wie kommt das? Gab es Künstler in deiner Familie?

Das kam alles so nach und nach und kann eigentlich alles nur so ein bisschen. Meine Studiengang hier in Weimar hieß freie Kunst. Und das habe ich auch irgendwann verinnerlicht: ein freier Künstler zu sein. Das heißt, ich nehme mir die Freiheit mit Sachen, von denen ich keine Ahnung habe, zu experimentieren, mit Naivität, mit Neugier, mit Übung. Warum denn nicht? Ich werfe mich immer selbst in Zustände, die riskant sind, aus denen ich lerne. Ein prekärer Luxus, der nicht möglich ist, wenn man sich nur auf eine einzige Sache konzentriert. Was zählt ist das Gesamte, die Intention, die Komposition, wie bei einem Theaterstück. Ich liebe das Theater, es hat mich sehr geprägt.

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Otto im Interview. “Du musst der Hammer werden.”

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